Propos de Simon Murphy extraits de son nouveau disque consacré à Corelli :

Au 18^ème siècle, la culture italienne dominait le nord de l’Europe

Aucune cour du nord de l’Europe ne semblait alors complète sans une multitude de musiciens italiens à son service. Les collections d’art des salons nord européens regorgeaient de peintures italiennes. Partout en Europe, et même en France, les maisons d’opéra italiennes poussaient comme des champignons. Des foules de voyageurs venus du Nord partaient pour l’Italie à la reconnaissance des villes légendaires de Rome, de Milan, de Florence et de Venise, entraînant dans leur sillage une nouvelle sorte de pèlerinage, le Grand Tour. Nombre de villes septentrionales toutes entières (comme Saint-Pétersbourg) furent créées sur le modèle italien. Dans l’Europe septentrionale du 18^ème siècle, les œuvres du compositeur et violoniste romain Arcangelo Corelli (1653 – 1713) représentaient par excellence la musique de style italien. Corelli était la définition même de cet « Italianissimo » dont le reste de l’Europe s’abreuvait. Sa musique était considérée comme l’ultime exemple classique de la virtuosité, de l’expression et du goût instrumentaux italiens. Corelli devint un phénomène et acquit un statut de star internationale sans précédent. Il était considéré comme la personnification d’un style au même titre que des compositeurs/interprètes tels que Dizzy Gillespie, Charlie Parker, Jimi Hendrikx ou Angus Young personnifient de nos jours un certain genre musical. Corelli était le hardrocker de son époque – une figure culte aux nombreux adeptes qui, après sa mort, continua d’être vénéré. Son œuvre a servi de modèle à des milliers de sonates, son style a inspiré une myriade d’interprètes, ses figuration et ornementation improvisées ont été matière à légendes. Aucun autre compositeur n’a été si régulièrement réédité tout au long du 18^ème siècle. Aucun autre interprète non plus n’a été aussi frénétiquement imité à titre posthume.

Corelli dans son contexte – L’art

Si la musique de Corelli fut aussi populaire auprès des Nord-Européens au 18^ème siècle, c’est parce qu’elle résonnait de la splendeur artistique de son environnement d’origine – la Rome de la seconde moitié du 17^ème siècle. La musique de Corelli les transportait par la voie sonore dans la monde visuel éblouissant de Borromini, Cortona et Bernini. Il leur inspirait des visions de palazzi, d’églises, de fresques, de sculptures et de tableaux de la ville de la magnificence. Corelli était également un fervent amoureux de l’art qui, à sa mort, ne possédait pas moins de 150 toiles. Sa collection de peintures nous donne un aperçu fascinant de son goût personnel. Bien que nous ne connaissions pas le nom exact de la plupart des œuvres de cette collection impressionnante, nous savons exactement qui a peint chacune des toiles et combien de tableaux de chaque artiste il possédait. Il avait par exemple 22 toiles de Gaspard Dughet (G. Poussin), 22 de Trevisani, 6 d’Onofri, 4 de Cignani, 4 de Maratta et 7 de l’artiste néerlandais/italien Van Wittel (Vanvitelli). Tout comme ses tableaux, l’esthétique musicale de Corelli est, tel le maître italien, érudite mais aussi hautement sensuelle, débordante de riches couleurs, vibrante d’expression émotionnelle rhétorique et d’amples gestuelles. Il affichait une préférence pour l’extraverti et les extrêmes, se délectait du spectacle et de l’ornementation. Sa musique est académique et étudiée mais elle n’est jamais ennuyeuse. Elle est spontanée et ardente mais jamais incohérente. Elle connecte l’intellectuel et le sensuel, et combine pragmatisme et spiritualité. Corelli unit tous ces éléments avec un sens impeccable de l’équilibre et de la structure. Dans les limites de son style, son esthétique n’en est pas une de la richesse dans la sobriété, mais une où aucune fioriture ne peut jamais être superflue.

Corelli dans son contexte – La musique

Actuellement, nous avons tendance à associer l’improvisation au jazz. Toutefois, l’improvisation (ou « extemporisation », « figuration » ou « ornementation ») occupait une place très importante dans la musique de la tradition corellienne. Corelli fournit le plan, le cadre, les idées initiales et l’inspiration. Le reste – c’est-à-dire savoir ce qu’il faut faire et l’ardeur à y mettre - appartient à l’interprète. Pour les solos de violon (concertino) du Concerti Grossi, nous avons choisi des exemples du 18^ème siècle et nous sommes inspirés d’ornements improvisés de Corelli lui-même. Ils sont pour le moins fleuris. L’autre raison pour laquelle nous comparons la musique de Corelli au jazz, est l’importance accordée à la basse continue. Comme la section des rythmes d’un orchestre de jazz, le continuo de l’orchestre fournit la ligne de basse, la structure harmonique et la rythmique. Corelli aimait que son continuo soit ample. Nous l’avons rendu grâce à un continuo étoffé et varié pour de nombreuses basses et multiples grooves que Corelli aurait aimés. Comme dans le jazz, la partition des joueurs du continuo est squelettique, avec seulement des notes pour la basse et des symboles d’accords. Le reste est le produit de leur improvisation.

Le lien hollandais

Cet enregistrement est un hommage à Corelli et à celui qui le rendit célèbre au 18^ème siècle – l’éditeur de musique néerlandais Estienne Roger. C’est notamment Roger qui attira l’intérêt du public sur les œuvres de Corelli à l’époque et qui fit de ce dernier une figure culte au 18^ème siècle. C’est aussi grâce aux nombreux morceaux de musique de chambre et aux multiples œuvres orchestrales de ce dernier publiées par Roger que l’on connaît le compositeur de nos jours. En tant que Nords-Européens toujours impressionnés par la culture italienne, nous rendons également hommage au rôle historique de la Hollande dans l’histoire de Corelli. Pour cet enregistrement, nous avons choisi d’interpréter les œuvres dans le registre élevé du nord de l’Europe habituel de l’époque à laquelle les premiers Concerti Grossi furent publiés à Amsterdam (aux alentours de A=415Hz plutôt que plus que dans registre romain bas ou bien autour de A=397Hz), mais avec un grand orchestre du même genre que ceux qu’affectionnait Corelli.

Corelli 1653 – 2003

Cet enregistrement de la New Dutch Academy célèbre les 350 ans de présence dans le monde de l’immortel Corelli. Ce projet met en lumière l’estime dans laquelle il a été tenu au 18^ème siècle et le l’ampleur de son héritage musical légué à la postérité. L’interprétation s’inspire du monde sonore et visuel de Corelli, et combine certaines de ses œuvres préférées à des trésors moins connus. Son objectif est de rendre ces œuvres dans toute leur splendeur et ainsi, de rendre hommage au grand maître lui-même – Corelli, qui fut et est toujours « l’Orphée de notre temps ».

Simon Murphy, septembre 2003.

La New Dutch Academy

La New Dutch Academy (NDA), une initiative unique, a été créée par les principaux membres de la nouvelle génération de spécialistes de l’interprétation de la musique ancienne aux Pays-Bas. Inspirée par les idéaux visionnaires et éclairés du dix-huitième siècle et par ceux des pionniers néerlandais de la musique ancienne, la NDA désire stimuler à la fois la recherche et l’interprétation en vue de pouvoir proposer au niveau international de passionnants programmes de concerts et des projets multidisciplinaires. La NDA espère ainsi créer une plate-forme qui favorisera l’exploration de l’esthétique du dix-huitième siècle et l’échange d’idées à ce sujet. A travers ses activités internationales et son rôle d’ambassadeur culturel, la NDA travaille de façon autonome tout en coopérant étroitement avec d’autres instituts culturels internationaux. Lancée en mars 2002 pendant son propre festival, donné dans la plus ancienne salle de concert des Pays-Bas (la Felix Meritis à Amsterdam), la NDA s’est rapidement développée et occupe à présent une place exaltante sur la scène culturelle internationale. Le premier festival de la NDA, articulé autour de différents thèmes, a proposé au public aussi bien des concerts didactiques traitant du lien entre l’art, la musique, la théorie culturelle et l’esthétique, que des concerts de musique de chambre et de musique orchestrale durant lesquels les deux ensembles de la NDA - l’Orchestre de Chambre et les Solistes de Chambre - ont été introduits. Le premier enregistrement de la NDA - Volume I de la série de SACD « Mannheim » - qui est sorti au début du second semestre 2003, a soulevé en Europe une tempête d’acclamations. Diverses revues se sont enthousiasmé pour cet enregistrement, le décrivant comme une véritable révélation musicale impeccable, fraîche et énergique, porteuse d’un nouveau son, captivante et entraînante, audacieuse et convaincante. Le numéro de la revue 2003 consacrée aux Gramophone Awards en a également parlé en ces termes : « vibrant et énergique » et « un enregistrement somptueux ». Dans la presse néerlandaise, « Klassieke Zaken » l’a décrit comme « à vous couper le souffle… absolument sublime » tandis que « Luister » conseillait vivement à ses lecteurs de monter le son de leurs stéréos et « d’entrer dans ce rock ’n roll du 18^èmesiècle », et que le magazine « Tijdschrift Oude Muziek », véritable bastion de l’authenticité, le déclarait «convaincant à tous les points de vue ». Récemment, le CD a remporté un Edison, le prestigieux prix de l’industrie néerlandaise du disque. Depuis, outre les nombreux concerts donnés aux Pays-Bas, la NDA a été invité à jouer dans toute l’Europe ainsi que dans d’autres parties du monde, telles que la Russie et le sud-est de l’Asie.